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Grace Ellen Barkeys Performances zeichnen sich durch ein Übermaß an bzw. einen Mangel an etwas aus. Sie erschafft stets eine Welt voller seltsamer, sinnlicher, absurder Figuren. Clownhafte und groteske Übertreibungen, die irgendwo zwischen tierisch und menschlich, amorph und monströs liegen; und die immer auf einem fragilen Paradox balancieren, in dem Melancholie, Harmonie, Humor und Hoffnung auf unerklärliche Weise Gestalt annehmen.

Als Performerin tritt Grace Ellen Barkey unter anderem in den Werken von Jan Lauwers auf, wo sie den Inhalt seiner Performances als indische Prinzessin kommentiert, zum Beispiel in Caligula (1998), No Comment (2001) und The blind poet (2015).

Auch Grace Ellen Barkey baut ihr visuelles Oeuvre stetig aus. Ihre jüngsten Installationen zeugen von einer Stille. Eine Verinnerlichung. „Das Unausgesprochene, das, was nicht offenbart wird, findet seinen Ausdruck im Absurden, aber auch im Mystischen“, sagt Grace Ellen Barkey. Sowohl die wahnhafte Phantasie als auch die Stille sind Versuche, das Unaussprechliche auszudrücken. In diesen Installationen werden die Sinne des Betrachters nicht mit absurden, grotesken und surrealen Bildern überfrachtet und überreizt, deren Zusammenhänge sich auf einer rein rationalen Ebene nicht erfassen lassen. Ausgangspunkt ihrer Installationen ist Grace Ellen Barkeys persönliche Beziehung zur Natur und deren Vergänglichkeit. Im Jahr 2021 dekolonisierte sie ihren Namen und verwendete den Namen ihrer Großmutter, Grace Tjang. Auf diese Weise lässt sie eine andere Geschichte durch ihre Identität als Künstlerin mitschwingen.

Ihre visuellen Arbeiten wurden kürzlich im Witte de With Center for Contemporary Art (Rotterdam), Poortersloge (Brügge), CC Strombeek, UZ Jette und Coup de Ville (Sint-Niklaas), M HKA (Antwerpen), mumok (Wien), Berliner Festspiele (Berlin), EcoC24 (Salzkammergut),… ausgestellt.

Grace Ellen Barkey war zusammen mit Lot Lemm Teil des Künstlerduos Lemm&Barkey. Ihre Arbeiten wurden unter anderem im BOZAR (Brüssel), Benaki Museum (Athen), Musée des Arts décoratifs (Paris), CC Strombeek, Dr. Guislain Museum (Gent) und Triënnale Hasselt / Superbodies ausgestellt.

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Benno Ure ist Professor für Kinderchirurgie an der Medizinischen Hochschule Hannover. Er lebt in Hannover und Wien.

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Text: Residenzverlag

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2013-2018 studierte sie Bühnengestaltung an der Kunstuniversität Graz. Theaterarbeiten entstanden unter anderem am Volkstheater München europa flieht nach europa, Kosmos Theater Wien Jeeps und Volkstheater Wien Die Reißleine (Regie Anna Marboe), am Theater an der Parkaue Kompost Horror (Regie Leonie Graf, Manuel Gerst) und Schauspielhaus Bochum Der große Gatsby (Regie Zita Gustav Wende). Sophia Profanter entwarf Szenenbilder für Im Zweifelsfall (Regie Till Gombert) und Liebe/ eine argumentative Übung (Regie Zita Gustav Wende). Außerdem entwickelte sie mit dem Theaterkollektiv undBorisundSteffi die Arbeit DELPHIN oder im Freibad meiner Gefühle und ist Mitbegründerin des Künstler*innenkollektivs KURG HUHU.

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Mit der Band Madame Baheux gewann sie 2014 den World Music Award und 2019 mit Shreefpunk den Neuen Deutschen Jazzpreis. deeLinde ist neben ihrem Hauptinstrument, Cello und Gesang, für Vielseitigkeit bekannt und findet sich auf vielen Instrumenten zurecht. 

Ihre Wurzeln, die in der Volksmusik liegen, sind ihr und ihren Projekten nach wie vor wichtig. Sie unterrichtet Tanzmusik auf Workshops und Jodeln.  Die Jodel-Lern-APP oder der internationale Online-Jodel-Workshop für den arabischen Raum ist einer von deeLindes außergewöhnlichen Erfolgen.

deeLinde ist außerdem stolze Mutter von drei Kindern und studiert derzeit Musiktherapie an der KUG.

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Ihre Lieder erzählen vom Leben der afrikanischen Jugend im Allgemeinen, von sozialen Herausforderungen und ermutigen Mädchen zum Schulbesuch. Ihre Bezugspunkte sind die großen Namen der afrikanischen Musik wie Asa, Ismaël Lô, Fatoumata Diawara, Lokua Kanza, Bruno Mars… Nabalüms Afro-Soul-Musik hebt ihre kraftvolle, samtige und emotionale Stimme hervor.

Sie nahm 2014 am Gesangswettbewerb „Star Karaoké“ teil, der vom ivorischen Staatsfernsehen (RTI) organisiert wurde, hier begann ihre professionelle Karriere. Ihre erste EP „Myamê“ erschien 2016, wofür sie den „Visa pour la création“ des Institut Français de Paris erhielt. Im selben Jahr profitierte sie von einem dreimonatigen Aufenthalt in der Cité des Arts de Paris, um an ihrem Album „Saké“ zu schreiben.

Ihr erstes Konzert fand im Mai 2016 in der Bellevilloise (Paris) statt. Es folgte eine Afrika-Tournee im Jahr 2017 (die „visa pour la création“-Tour) durch 10 afrikanische Länder, darunter Guinea, Ghana, Madagaskar, Ruanda, Dschibuti, Sudan und Burundi, um nur einige zu nennen. Sie spielte im darauffolgenden Jahr im Institut français d’Abidjan bei den FEMUA II. Im Juli 2018 veröffentlichte Nabalüm ihr Album Saké, das nicht nur in Burkina Faso sehr gut aufgenommen wurde. Seitdem bespielt sie viele Bühnen und sorgte bei der letzten Ausgabe der MASA 2024 in Abidjan für Aufsehen. Nabalüm wurde gerade beim Kundé d’or 2024 als beste weibliche Künstlerin ausgezeichnet. Von den Bühnen in Kamerun bis zum Pan Piper in Paris ist „La Blackqueen“, wie sie sich gerne nennen lässt, eine feste Größe in der burkinischen und afrikanischen Musik.

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Künstlerisch interessiert sich Polina Solotowizki für die Schnittstelle zwischen der Identität der Performenden, ihren Rollen und dem Gefühl von Präsenz durch performative Mittel. In ihrer Arbeit setzt sie sich aus persönlichen Perspektiven mit sozialen und politischen Themen auseinander und versucht, kulturelle Brücken zu bauen. In ihrem künstlerischen Prozess verfolgt sie häufig einen dokumentarischen Ansatz. Polina arbeitet sowohl mit professionellen Schauspielerinnen als auch mit Laiinnen zusammen.

Seit 2020 lebt sie mit ihrer Familie in Heidelberg.

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Sein jüngstes Projekt Equilibrium Wind beleuchtet beispielsweise die Rolle der Baumwollarbeiter weltweit. Baumwolle hat eine lange und wechselvolle Geschichte und ist immer noch häufig Gegenstand internationaler Debatten über Themen wie Armutsbekämpfung, Agrarsubventionen und strategische Entwicklungsziele (…) Durch die Begegnung mit den Menschen, die der Baumwollindustrie zugrunde liegen, kann Oussous Ansatz als ein Vorschlag gesehen werden, der Hoffnung auf einen idealen Produktions- und Vertriebszyklus weckt. (…)

Sein Projekt Impossible is Nothing begann mit der Herstellung und dem Vergraben einer Nachbildung des Königsthrons von Béhanzin, dem König von Dahomey vor der französischen Kolonisierung. Viel später organisierte Oussou eine Reihe von Performances, zu denen auch eine Ausgrabung der Stätte durch Archäologiestudent*innen gehörte, die konzeptionelle Fragen aufwarfen, die der Debatte über die Rückgabe geplünderter Kunst und Artefakte zugrunde liegen.

Im Dezember 2023 verbrachte Oussou einen Monat im Operndorf Afrika, um mit den Weberinnen, Töpfern und Gründern von Ziniaré in Burkina Faso zu arbeiten und Stücke für die Theaterproduktion DECONFINING zu schaffen.

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Die künstlerische Praxis von Ava Binta Giallo basiert auf einer intuitiven, sinnlichen Suche. Durch Malerei, Film, Skulptur und Installation erforschen sie das Bild und den umgebenden physischen Raum. Indem sie die Werke als Topographien von Stimmungen und Atmosphären begreift, entstehen in der prozessorientierten Arbeit Kompositionen, die die Verflechtung aller materiellen und immateriellen Formen betonen. Durch teils spontane Gesten und ritualisierte Abläufe sowie gezielt geschichtetes Material unterstreicht Giallo die Bedeutung des Immateriellen als figuratives Element. Sie erforschen die Grenzbereiche zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, zwischen Leinwand und Motiv sowie zwischen lebendigem Körper und architektonischem Raum als Vehikel für eine experimentelle Auseinandersetzung mit Fragen der Erinnerung und Spur. (Anne Zühlke, 2023)

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An der Hochschule der Bildenden Künste Saar unterrichtet sie die Studierenden im Studiengang Master Kuratieren/Ausstellungswesen. Im Mai 2022 übernahm sie als Lehrkraft für besondere Aufgaben zudem die Programmgestaltung der Galerie der HBKsaar und die Organisation des Ausstellungsbetriebs.

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Wir sind Bäuerinnen und Bauern die biologisch oder konventionell ihre Höfe bewirtschaften und Menschen verschiedener Berufsgruppen, die sich mit der bäuerlichen Landwirtschaft verbunden fühlen und sich für ihren Erhalt einsetzen. Wir sind seit 1974 eine bäuerliche Basisbewegung und ein überparteilicher Verein, der Agrarpolitik und Bildungsarbeit betreibt. Wir sind Teil der weltweiten Kleinbäuer_innen-Bewegung “La Via Campesina” mit Organisationen in 73 Ländern und 200 Millionen Mitgliedern.

Der siebenköpfiger Vorstand der ÖBV setzt sich aus Bäuerinnen und Bauern aus verschiedenen Bundesländern zusammen. Wir sind stolz darauf, dass Frauen und Männer gleichermaßen im Vorstand vertreten sind. Gemeinsam mit aktiven Mitgliedern aus ganz Österreich entwickeln wir vielfältige Projekte für eine bäuerliche Zukunft. Unsere Angestellten unterstützen diese Arbeit und setzen zusätzliche Impulse.

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Er ist Künstler, lehrt an der Kunstuniversität Linz und lebt in Wien. Zahlreiche Einladungen zu nationalen und internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen zeugen von großer Beachtung seines konzeptuellen und multimedialen Œvres. In ihm umkreist Gorkiewicz die Schnittstellen und Wechselbeziehungen zwischen der Kunstwelt einerseits und der Konsum- und Alltagswelt andererseits. Dabei setzt er sich nicht nur intensiv mit der realen und möglichen Repräsentationsgeschichte seines jeweiligen Materials auseinander, sondern er eignet sich auch technisches Know-how an, um damit arbeiten zu können. Sein Blick reicht sowohl in Kunsträume hinein als auch in deren vermeintlich trivialen Entsprechungen in der Alltagskultur.

Gorkiewiczs Interesse an der Formensprache und Ästhetik alltäglicher Objekte verknüpft er mit einer pseudo-wissenschaftlichen, penibel zu bezeichnenden Herangehensweise, um Fragestellungen nach Repräsentation in konkreten wie übertragenen Kontexten aufzumachen. Durch ihre überhöhte und übergenaue Form der Präsentation verlieren die Objekte den ursprünglichen Verwendungszweck, gleichzeitig eignet sich der Künstler diese Objekte und ihre ursprüngliche Lesbarkeit an.

Einen Kontextwechsel erlaubt sich der Künstler durch den Übertritt in die Musik und erweitert so sein professionelles Tätigkeitsfeld.

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1998 kommt es zu einem einschneidenden Ereignis, das Leben und Werk von Forouhar nachhaltig prägt: Ihre Eltern, zwei führende oppositionelle Politiker, werden in ihrem Haus durch den iranischen Geheimdienst ermordet. Die jährlichen Reisen, die sie seitdem zum Gedenken an die Tat in ihr Geburtsland unternimmt, sind zu einem Akt des Widerstandes geworden. Auch ihre künstlerische Arbeit wird durch den Mord entscheidend beeinflusst. Mit Zeichnungen und Fotografien, mit computeranimierten Bildsequenzen oder mit Installationen reflektiert sie gesellschaftliche Themen und Missstände, greift dabei auch auf Muster und Farben der persischen Tradition zurück. So hat Parastou Forouhar das Ornament als Camouflage für politische Stellungnahme 2000 im Berliner Haus der Kulturen der Welt als ihre künstlerische Handschrift vorgestellt und seitdem weiterentwickelt. Leben und Werk der Künstlerin sind beispielhaft für den transkulturellen Umgang mit den orientalischen und abendländischen traditionellen Formensprachen.

Die international anerkannte Künstlerin, die seit 1991 in Deutschland lebt, ist auch für ihr politisches Engagement gegen Repression und Gewalt und als Vermittlerin zwischen den Kulturen bekannt. Von 2019 bis 2024 unterrichtete sie als Professorin der Gutenberg-Research-Fellowship eine Klasse für Freie Kunst an der Kunsthochschule Mainz und brachte hier ihren spezifischen transkulturellen Blick auf den internationalen zeitgenössischen Kunstdiskurs in die Lehre ein. 2022 war sie Schirmherrin der Tage des Exils Frankfurt am Main, sie ist Gründungsmitglied des Kollektivs Art-Cultur-Action.

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Sound- und Video-Installationen Documenta 1987 & 1997, Artangel London 2012, Musée d’art contemporain Lyon 2014, Albertinum Dresden 2016, New Space Moskau 2017, Kunsthalle Gießen 2018, Museo de Arte Bogota 2019, Elefsina 2023, Vilnius 700 2023, Museo Reina Sofia Madrid 2023, Musée du Luxembourg Paris 2023, World Heritage Völklingen 2023

CD Produktionen bei ecm-records, Anthologien „Komposition als Inszenierung“ (2002) , „Ästhetik der Abwesenheit“ (2012). Zahlreiche Internationale Hörspiel-, Theater- und Musikpreise (Prix Italia, Europäischer Theaterpreis, International Ibsen Award u.v.a.).

Composer in residence beim Lucerne Festival; Artist in residence, Cornell University, Ithaca. Mitglied mehrerer Akademien der Künste, Honorable Fellow des Dartington College of Arts und der Central School of Speech and Drama, London; Fellow am Wissenschaftskolleg zu Berlin (2007/08). Honorable Doctorade Birmingham City University und National Academy for Theatre and Film Arts, Sofia.

1999-2018 Professor am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft der Justus-Liebig-Universität Gießen; 2006-2018 Präsident der Hessischen Theaterakademie.

Intendant der Ruhrtriennale – International Festival of the Arts 2012–2014.

Von 2018 bis 2024 wurde er vom Präsidenten der Justus Liebig Universität zum ersten Inhaber der Georg-Büchner-Professur berufen.

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